男女主角宋洋和万茜都是文艺片出身，都有着美好的外貌身段——就像《红楼梦》里的文官说的，大家看戏，除了看艺术，声腔口齿也是聚焦点——外貌身段也是焦点，宋洋和万茜的样貌都和对剧中人的想象相差不远，正是好年华，观众们也不觉得有什么不对。
很明显，他们尽量地揣摩了人物：万茜足够精致的冷，宋洋足够虚无地活，两个人的感情在有无之间荡来荡去，构成了整体的支点——但开始的兴奋很快转为了无力，整体的节奏感完全是小说的节奏，台词、故事线、进展，完全就是小说的某种翻版，而不是舞台的节奏。估计导演叶锦添的舞台技术偏于影像，而不是舞台的节奏感，于是非常可惜了：普遍叹息其长的情绪开始在台下蔓延。
万茜的几场戏都足够好看，比如舞场，比如香港的断壁残垣，加上浅水湾里低回婉转、各逞机心的种种；宋洋演范柳原，比我想的好，无论是台词还是表情，每个微小的表情都拍下来放大很多倍放银幕上也有道理，否则浪费了他和万茜。
两人的互相激发是值得看的，浅水湾酒店里，各自在房间打电话的一场，两人都剥掉了外壳，短兵相接，刺痛人心，但缺点是，所有的细节表演全部是大屏幕呈现的。镜头非常细致，摄影机贪婪地抚摸着演员们的眼睛、嘴唇乃至身体，但是，绝对不是现在国际舞台已经开始流行的即时摄影，而是早已经拍好的摄影，导致了舞台反而被空置，你会疑问，这是电影吗？话剧的魅力呢？舞台的魅力呢？纯粹变成了某种即时秀，让人不得不觉得互联网综艺已经开始影响舞台。
不是说不可以用大屏幕，但舞台魅力的根本是即时，是当下，是不可重复，哪怕是台上的失误，哪怕是每天不同的状态，《倾城之恋》这个舞台上充斥着太多拍好的成片，不断损害时空的魅力。我们是看电影还是看话剧？这是普遍的疑问，也是观众对两种艺术形态区别的基本问题，一点都没有错。
莫非主创团队是嫌弃即时拍摄不够华美？我宁愿看万茜每天的不同状态，比如今天的流苏稍微软弱一些，明天的稍微冷漠一些，这才是舞台。但舞台效果是留下的表演空间太小，几乎看不到这种变化。后来编剧张敞回应说，他们也考虑过几种美学模式，最后选择了这种。
叶锦添的审美非常华美、忧郁、银幕化，他需要电影里已经定型的画面来展现细节，所以采用了已经拍摄好的成片。
除了演员们的大特写，还有很多张爱玲小说中的意向也用屏幕展现，比如半空中的巨大月亮，比如香港的荒凉海滩，比如雨中的流苏的童年，简直构成了意向的华美花园，但张爱玲从来是一个严酷的现实主义者，她的世界里没有伊甸园，可叶锦添，始终要在意一个华美的忧伤的伊甸园，就有点做作了。
这也是我觉得它是“好的坏剧”的原因。
《倾城之恋》的母题，是大时代里的小人物的随波逐流，又古典，又当下，张敞非常爱张爱玲，基本上不离开原著，会让整个演绎是“原著的立体延续”。这个也有好处，也有缺点，好处是非常真实细致，层层递进，我看到了四奶奶的虚弱，看到了徐太太的油滑，看到了白家上上下下的虚弱无力，看到了爱情的微妙脆弱；缺点是：啊？编剧在哪里？就真的被消隐了。
台下的观众们未必都读过原著，很多是为演员来的。当柳原背诵原著的台词“你不爱我，你有什么办法，你做得了主么”的时候，观众席发出了爆笑。
张爱玲的每一次改编都是难题，但从来没有当下这么难，恍惚是斗兽场里的表演者，一举一动，都有枷锁。
图片来源/叶锦添工作室官方微博

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